Etudier à l'ENSAPC

BECOME THE MEDIA

Gallien Déjean

Dans la tradition moderniste, chaque médium – à commencer par la peinture – se doit d’être autoréférentiel afin d’atteindre son essence. Dans ce contexte, le médium curatorial, qui s’incarne dans l’exposition, est impur car il est composite et ses supports sont multiples. C’est donc pour garantir la pureté de ses expositions que le modernisme a créé l’environnement aseptisé du « white cube ». Contrairement à cette conception, la théorie des médias permet d’envisager la plate-forme curatoriale comme le médium absolu puisque son objet intrinsèque est la diffusion. Dans ce cours, nous étudierons cette fonction de diffusion en évoquant, d’une part, le rôle du curateur à travers l’analyse critique de son statut. D’autre part, nous observerons à travers un certain nombre d’exemples historiques et contemporains comment les artistes se sont saisis de cette fonction curatoriale dans son sens le plus large (expositions, magazines, maisons d’édition, librairies, chaînes de télévision, etc.), afin de s’approprier et de réinventer des prérogatives essentielles (diffusion, théorie, économie) qui leur ont souvent été confisquées. Au sein de ce cadre théorique, le cours se structure en deux parties : — Une série d’invitations : des personnalités (artistes, historien·nes, théoricien·nes, militant·es, etc.) viendront régulièrement nous parler de leurs expériences et de leurs recherches. — Une série de séances théoriques durant lesquelles sont abordées des périodes et des notions de l’histoire de l’art et des idées à travers les filtres thématiques de ce cours (la question de la diffusion, l’autogestion, le DIY, etc.). Dans la continuité des années précédentes, cette partie théorique sera consacrée à la période des années 1950, 1960 et 1970. Dans ce cadre, l’analyse d’un certain nombre de pratiques, de courants ou de stratégies sera l’occasion de revenir sur quelques notions (« oeuvre ouverte », contre-culture, underground, détournement, situation, etc.) que nous tenterons de problématiser en regard des enjeux contemporains.

CHAMPS DE FORCE

Luc Lang

Champ de forces, terme utilisé par Deleuze et que je reprends à mon compte pour évoquer la rencontre par aimantation ou opposition de tous les médiums (Littérature, philosophie, cinéma, arts plastiques, vidéo, performances) concernant une problématique définie, chacun des médiums y répondant à sa façon, avec sa poétique, avec sa technique, ses outils, ses points de vue liés justement à ses techniques et ses process. De quoi créer un champ de forces, un champ d’aimantation, où tous les médiums dialoguent et polémiquent entre eux sur une même zone sensible et théorique. Nous avons déjà eu une réflexion sur qu’est ce que L’image et sa nature selon le médium qui la produit ? En 2020 c’était une réflexion sur le genre humain, en 2021 c’était une réflexion sur la nature de l’objet d’art et la nature du travail de l’artiste en regard des objets usuels et de l’organisation du travail telle qu’elle est proposée dans l’entreprise contemporaine.

En 2023, au regard de la réflexion essentielle de Gunther Anders sur l’obsolescence de l’homme (sur la destruction de la vie à l’époque de la troisième révolution industrielle),et de celle de Byung-Chul Han sur la fin des choses et la disparition des rituels, nous travaillerons sur l’objet, sa désubstantialisation, sa disparition dans notre monde contemporain et quelles sont justement les propositions artistiques et quelles sont les pragmatiques induites par les oeuvres que proposent certains artistes de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle pour résister à cette destruction ?

En 2025 et 2026, nous reprenons la problématique autour de l’objet, de sa dématérialisation et de sa disparition progressive, au profit de l’accès à des fonctions et des applications dans un monde qui se réduit à de l’information permanente dépourvue de temporalité. Dans cette situation contemporaine, quelle place le corps pérenne peut-il conserver ? Pas seulement dans l’inanimé des matériaux, que ce soit des objets ordinaires ou même des oeuvres d’art, mais aussi dans le vivant, puisque l’humain ou l’animal, c’est aussi du corps et de la matière. De la même façon qu’un sujet puisse être un objet, le corps peut aussi en être un, devenant tour à tour corps-objet ou objet-corps. Pas seulement l’objet du désir, mais aussi l’objet-corps comme cible, que l’on nourrit, que l’on exploite, que l’on façonne, que l’on aliène, que l’on instrumentalise, selon des modalités, des techniques et des idéologies toujours plus subtiles et fines, l’horizon modélisant étant de devenir un corps-machine dans lequel l’espèce humaine pourrait disparaître.

COLLABORATION IN ARTISTIC PRACTICES

Chương-Đài Võ

This course will ask what “socially engaged practice” and “decoloniality” mean in the field of contemporary art. We will focus on interdisciplinary artistic projects that offer models of collaboration, whether with artists working in other disciplines or with people in other walks of life. We will discuss projects by Martha Atienza, Éric Baudelaire, Gustavo Ciríaco, Theaster Gates, Bouchra Khalil, the duo Kristina Solomoukha and Paolo Codeluppi, and other artists. We will watch videos of the works and interviews with the artists, as well as read about their projects and the references that they used for their research.

🔮 COMMENT TRAVAILLER AVEC LA PAROLE ET/OU L’IMAGE DE L’AUTRE ?

Carla Adra

Comment inclure d’autres personnes dans son propre travail artistique ? Ce cours s’adresse aux étudiant·es qui souhaitent développer un travail artistique à la fois éthique et engagé. Nous explorerons différentes techniques et méthodologies de travail : collecte de récits, méthodologies d’entretiens, méthodologies de travail en collectif, constellations d’idées, cartographies. L’objectif est de produire individuellement ou en petit groupe, un travail singulier sur une thématique libre qui inclut une pluralité de voix, et de construire une éthique propre à chacun.

Méthode : apprentissage par la pratique, expérimentations, partage de références.

FACE A FACE

Luc Lang et Carole Benzaken

Trop souvent, les étudiant·es ont un rapport abstrait aux arts par le biais des images électriques de leurs écrans. Il s’agit donc de se confronter à la réalité physique unique des œuvres présentées au Musée d’Art moderne de la ville de Paris. C’est bien d’un face à face, à l’échelle réelle qu’il s’agit, et de développer une attention frontale et particulière à l’œuvre, et non de venir vérifier au musée que l’œuvre correspond à sa photo comme si c’était l’image électrique l’original…

Chaque étudiant·e doit, devant une ou plusieurs œuvres qu’iel choisit, la présenter à l’ensemble du groupe, construire sa critique de l’œuvre. Il-elle peut choisir des œuvres parce qu’il-elle les trouve importantes, intéressantes, puissantes, ou encore parce qu’il-elle les trouve faibles et sans intérêt. L’objectif étant de construire un point de vue personnel argumenté et sensible sur l’œuvre. Après cela, une discussion/débat s’engage avec l’ensemble du groupe, qui est, faut-il insister, également responsable de la qualité de l’intervention de celle ou celui qui présente l’oeuvre, par la qualité de son écoute, la pertinence de ses questions ou de ses objections qui feront débat.

ICONOPHAGIES

Corinne Le Neün

Il s’agit d’explorer ensemble, lors de ce premier semestre, la thématique passionnante de « L’image mangée » dont l’historien d’art Jérémie Koering a recensé toutes les occurrences. « Manger ou boire des images… quelle drôle d’idée ! Et pourtant, depuis l’Antiquité, on n’a cessé de se repaître de fresques, d’icônes, de sculptures, de gravures, d’hosties estampées, de gaufres héraldiques, de représentations en massepain ou de mets sculptés… Spécifiquement produits pour être consommés ou détournés de leur destination première pour être ingérés, ces artéfacts figuratifs ont non seulement pu être regardés, mais encore incorporés sous forme solide ou liquide. Mais comment expliquer pareille attitude à leur égard ? Pourquoi prendre en soi une image, au risque de la détruire, plutôt que de la contempler à distance, sagement ? Quels imaginaires traversent ces désirs d’incorporation ? Quelles sont les configurations visuelles offertes à la bouche et quels en sont les effets ? Quelles fonctions thérapeutiques, religieuses, symboliques ou sociales peut-on attribuer à cette forme de relation iconique ? Voilà quelques-unes des questions à partir desquelles cette enquête sur l’iconophagie se déploie. »

Méthode : Jérémie Koering est Professeur d’histoire de l’art moderne à l’université de Fribourg, ses travaux portent à la fois sur l’art de la Renaissance dans ses dimensions politique, anthropologique et poïétique, et sur l’épistémologie de l’histoire de l’art. Il propose d’analyser les enjeux culturels et les imaginaires qui traversent l’ingestion des images. Tout en s’inscrivant dans le champ de l’histoire de l’art et de l’anthropologie, ses recherches ouvrent un pan encore inexploré. Nous informerons son approche des travaux que nous avons pu mener sous la direction des historiens de l’art, le Professeur Giovanni Carreri (l’EHESS) et le Professeur Pascal Rousseau (Université Paris 1). Cette thématique s’élargira bien sûr aux pratiques artistiques contemporaines. Cet enseignement prendra la forme de podcasts diffusés à un rythme hebdomadaire sur le Drive. Iconophagies (cours et ligne de recherche en histoire de l’art) est ouvert sans jauge aux étudiant·es de la première à la cinquième année et aux étudiant·es Érasmus.

LA MONTAGNE DES SIGNES

Carole Boulbès
Avec les interventions d’Alejandra Riera, Florent Caron Darras
Invité·es : Karla Segura Pantoja et Cristina de Simone

L’étude des écrits esthétiques d’Antonin Artaud guidera les différentes étapes de la recherche. On s’intéressera tout autant à ses articles critiques sur l’art européen et extra-européen qu’à ses manifestes sur le théâtre, ses dessins, ses recueils de poèmes, ses enregistrements radiophoniques et ses scénarios de film.

Méthode : l’un des points de départ sera le séjour du poète Antonin Artaud à Mexico pendant l’année 1936. Sa rencontre avec les Indien·nes de la Sierra Tarahumara au Nord du Mexique fut un moment décisif qui modifia durablement sa vision du monde, du théâtre et de l’activité artistique. Outre l’ethnologie seront abordés des thématiques liées au surréalisme, aux artistes femmes et à l’art contemporain mexicain.

LES ÉCRITS D’ARTISTES AU CINÉMA
Cinéma des origines, cinéma pur, cinéma expérimental, cinéma underground

Carole Boulbès 

« Le cinéma expérimental est une aventure permanente, qui repousse indéfiniment les limites de l’art du film »,
Jean Mitry.

Les écrits des artistes en disent long sur leur pratique ou bien ils n’en disent rien. Certain·es donnent des conférences, des interviews, d’autres rédigent des notes dans le plus grand secret. À l’auto-analyse, certain·es préfèrent des formules brèves comme les poèmes, les slogans politiques ou les aphorismes. De plus en plus, les écrits d’artistes deviennent objets d’exposition ou synopsis de films. Cette année, on mettra l’accent sur les écrits des poètes et des peintres sur le cinéma « pur », le cinéma expérimental, le cinéma « underground » tout au long du XXe siècle. De l’invention du langage cinématographique jusqu’au pionnier·es du cinéma, des chefs-d’oeuvre ont été créés par des novateur·ices qui ont ouvert l’art du film vers des voies inexplorées. Refusant de s’adonner aux adaptations littéraires et aux ersatz du théâtre, ces cinéastes avant-gardistes ont considéré la pellicule cinématographique comme un support de création à part entière. D’autres se sont intéressé·es aux possibilités infinies du montage, au rythme ; d’autres encore aux déformations visuelles, aux effets « disruptifs », à la colorisation et l’animation des images.

Méthode : ce séminaire vise à lire ensemble et étudier un corpus d’écrits d’artistes en rapport avec des films que l’on visionnera ensemble. Certains textes, en rapport ou non avec leurs pratiques artistiques, pourront être proposés par les participant·es. On cherchera surtout à débattre de notions liées à la création, la production et à la recherche (liens entre la théorie et la pratique, modes opératoires, valorisation du travail) dans un esprit critique et constructif.

LES HÉROS DE LA VIE MODERNE

Corinne Le Neün

1er semestre / Travestissement et fictions de genre : En lien direct avec la thèse en cours sur Jean Genet et les Avant-gardes artistiques japonaises, thèse encadrée par la professeure émérite Sylvie Brodziak de CY université et le professeur en études japonaises Gérald Peloux de l’Inalco, nous aborderons la constitution d’un fonds d’archives. Seront déposés entre autres des documents résultant de la recherche menée au Japon, dont ceux de L’université de Keio à Tokyo, issus du fonds du créateur de l’Ankoku Buto (la danse des ténèbres), Hijikata Tatsumi, grand admirateur de Jean Genet. Le titre Les héros de la vie moderne émane des écrits de l’auteur dans “Un captif amoureux”. La figure de l’Onnagata sera au centre de notre recherche pour ce semestre. En japonais l’ Onnagata 女方 désigne depuis 1629, l’acteur masculin interprétant des rôles féminins. Tamasaburo Bando V, en 1995, déclarait dans un film de Daniel Schmidt : « Autrefois, je pensais que je jouais comme une femme. Mais je n’ai jamais vu le monde avec les yeux d’une femme. J’ai compris que mon regard est celui d’un homme. Avec les sentiments et les yeux d’un homme, je joue une femme comme un peintre la peint. Ainsi je crée un rôle de Onnagata. »

Nous explorerons l’inscription de cette tradition dans le théâtre Kabuki japonais. La question du travestissement s’ouvrira sur la place du corps féminin qui en constitue la part d’ombre.

2e semestre / Transidentités : À partir du film de Toshio Matsumoto “Les funérailles des roses” (Bara no soretsu) notre recherche portera sur la représentation des transidentités sur les scènes artistiques, littéraires, chorégraphiques et cinématographiques contemporaines.

PERFORMANCE ENCORE ! (POUR PRATIQUER LE MOUVEMENT ET SORTIR)

Claudia Triozzi

Nous poursuivrons nos sorties tout au long de l’année, en suivant les programmations et les propositions présentées dans différents lieux de spectacle vivant et d’arts. Deux workshops ponctuent également l’année 2026-2027 : l’un proposé par l’artiste Kidows Kim, l’autre animé par la chorégraphe Audrey Merilus. Une invitation sera également adressée à l’artiste Mackenzy Bergile sous forme d’atelier. À travers ces sorties, ces rencontres programmées tout au long de l’année et les différentes expériences partagées, nous construirons progressivement un espace de création performative. Cet espace sera nourri par les échanges, les pratiques et les réflexions développés au fil du parcours. L’ensemble de ce processus donnera lieu à une restitution publique, dont la présentation est envisagée le 28 avril 2027 à l’ENSAPC.

PICTURES GENERATION

François Aubart

On réunit sous le terme “Pictures Generation” un ensemble d’artistes, dont les plus célèbres sont Barbara Kruger, Louise Lawler, Sherrie Levine, Richard Prince ou Cindy Sherman, qui reproduisent ou imitent des images de la publicité, du cinéma, de la télévision ou de magazines. Leur démarche, apparue à la fin des années 1970 aux États-Unis est parfois considérée comme succédant à l’art conceptuel parce qu’elle consiste à copier des images d’une façon qui mettrait en doute la notion d’auteur, interprétation souvent appliquée aux oeuvres basées sur la reproduction. Pourtant les images utilisées par ces artistes sont des représentations mises en scène. Loin d’être des traces objectives du réel, elles sont faites pour fasciner, susciter des désirs ou de l’adhésion. En étudiant ce corpus et l’utilisation que fait la Pictures Generation des outils et dispositifs technologiques par lesquels il circule, nous tenterons d’identifier la façon dont ces artistes exploitent les effets psychologiques de ces représentations. Nous ferons également résonner ces pratiques avec les enjeux sociétaux de l’époque, des revendications de la contre-culture à celles du féminisme.

Méthode : cours et discussions collectives.

RADICAL GAZE 2/2

Marielle Chabal 

🧠 Hackez le réel : le pouvoir subversif de la fiction.

Dans un monde saturé de fake news et de certitudes bancales, la fiction est une arme de reconstruction massive. Ce cours vous propose de passer de l’autre côté du miroir pour comprendre comment les oeuvres hégémoniques façonnent nos vies et gouvernent nos sociétés. Nous allons démonter la machine : décoder les secrets d’Hollywood, analyser comment nos émotions sont administrées et transformer les codes narratifs en technologies de pouvoir. Puis nous allons récupérer les pièces du moteur pour inventer les contre-récits dont notre époque a besoin, au travers de la vidéo, de la mise en scène, de la performance, de L’image et des formes plastiques. Nous apprendrons à hacker, pirater et saboter le réel. Autopsie d’objets culturels, comment pilotent-ils nos émotions ? Piratage narratif : Contre-récit pour gripper les rouages du statu quo. Créer des fictions plastiques pour infuser et transformer notre époque.

Méthode : Utiliser la fiction pour faire émerger des formes

1. Carpe (concept action rôle playing exercice) : Dispositif pour réfléchir collectivement et/ou débattre dans un jeu de rôle conçu comme outil d’enquête. → Éprouver comment les choix individuels modifient la structure globale d’un projet.

2. OCB (observatoire des certitudes bancales) : On collecte des “matériaux de certitude” (discours politiques, articles scientifiques, rapport historique, publicités) et on produit des objets de doute, des contre-récits (forme souhaitée). → Prendre le pouvoir de reformuler le réel par manipulation des signes.

3. L’exorcisme du discours : Présentation des projets avec des contraintes (sans utiliser les motsclés, avec une scénographie, à travers le point de vue d’un personnage, de votre sculpture…). → Transformer l’explication de projet en proposition artistique.

Projet commun Radical Gaze Exposition, séminaire, festival… → Forme à inventer collectivement pour la clôture et la présentation de RG.

REPRÉSENTER MADAME BOVARY

François Aubart
Invitée : Ana Mendoza Aldana

Lorsqu’en 1857 paraît Madame Bovary, ce roman de Gustave Flaubert porte des effluves de scandale. Le romancier vient d’être acquitté lors de son procès pour atteinte aux bonnes moeurs. La censure napoléonienne lui reprochait d’avoir inventé un personnage de femme jugée trop « lascive ». Succès de librairie, il devient au fil du temps un classique maintes fois commenté, repris, relu et adapté. Ce sont autant d’interprétations de ce roman. Si on recense une trentaine de films, on ne compte pas les oeuvres plastiques élaborées à partir de Madame Bovary. À chaque fois, apparaît une nouvelle façon de la considérer. Sans chercher l’exhaustivité, ce cours trace quelques liens entre les nombreuses productions visuelles qui découlent de Madame Bovary en soulevant les enjeux qui sont ainsi considérés différemment selon les époques. Le bovarysme, notion psychologique établie sur un personnage de fiction, définit le fait de s’inventer une vie meilleure comme une tare qui accompagne ensuite toute l’histoire de la modernité. De l’apparition des premiers divertissements aux applications de rencontres, Emma Bovary est une référence pour l’étude de la culture de masse. Mais, elle est également convoquée comme une figure de l’émancipation des femmes car ce sont ses lectures, interdites et régulées dans une société patriarcale, qui lui donnent des idées et la poussent vers la transgression des interdits. Ce personnage a été représenté un nombre incalculable de fois pour rendre accessible un classique de la littérature, pour y chercher une morale ou encore le subvertir. Suivre ces transformations permet d’éclairer les façons dont une fiction peut donner une morale à la réalité.

Méthode : cours et discussions collectives.

RÉSONANCES

Florent Caron Darras

Ce cours est une invitation à explorer les résonances du sonore dans le monde autant que celles du monde dans le sonore. Il s’agit d’aborder la question du son dans toute son amplitude, à la fois dans les arts sonores et la musique, mais également en dehors des pratiques artistiques, jusqu’à l’interrogation des frontières musique/son ou art/vie. Ce cours, parfois proche d’un format studio, est avant tout l’occasion d’accueillir tout questionnement, tout désir lié au travail du son. Tous types de projets convoquant le sonore sont les bienvenus : installation, sculpture sonore, musique, performance, poésie sonore, vidéo, art radiophonique, etc. Des notions fondamentales d’acoustique sont abordées. Certains points techniques sont notamment explorés sur les logiciels Ableton Live, Reaper et Max. Exemples de thèmes abordés ces dernières années : “vidéo et mouvement”, “politique de l’écoute”, “rapports image/son”, “drones et battements”, “phases”, “bioacoustique”, “poésie sonore”, “art radiophonique”, “stutter effect”, “ambiance/immersion”, “sonification”, “musicalité/plasticité”, “sculpter le son”, “sonner la sculpture”, “vibration solidienne”, “collages et citations”, “l’espace du son”, “bruit”, “le son comme réseau de relations”, etc.

Méthode : le cours repose sur une synergie entre participation étudiante et apports théoriques. Les étudiant·es sont encouragé·es à montrer leurs travaux passés ou en cours, et chaque séance s’articule autour d’un thème qui s’en dégage, au travers d’expérimentations, de points techniques, et par l’exploration d’exemples puisés dans des références variées. Ainsi les problématiques varient chaque année et sont découvertes séances après séances.

THÉORIES ET CONSÉQUENCES PRATIQUES 3
(Atelier de lecture)

Geoffroy de Lagasnerie

Ce cours prendra la forme d’un atelier collectif de lectures et de discussions de textes. Il s’agira parfois de textes sur l’art mais peut-être surtout cette année de textes plus généraux de philosophie ou de théorie politique, pour changer par rapport aux deux années précédentes. Chaque séance consistera en une présentation d’un texte par un-e ou plusieurs étudiant·es, puis nous en discuterons les enjeux théoriques, politiques et historiques ainsi que les conséquences que vous pouvez en tirer pour votre pratique. Ce cours demande donc de l’assiduité et une volonté de participer à une discussion collective.

Méthode : lecture et discussion collective.